GLOBAL FOREST

PATRICK ALT

Für Patrick Alt war die Kunst von Anfang an an der Schwelle zwischen Gegenständlichem und Abstraktem gelagert, was dazu führte, dass er meist mehr formulierte als abzubilden. Seine Kunst ist immer ambivalent und zweideutig. Sie spricht doppelzüngig, mehrdeutig, spielt Abstraktion und Figuration gegeneinander aus, ohne sich hinter pathetischer Symbolik zu verstecken und diese zugunsten einer verlässlichen Sinnhaftigkeit auszuspielen. So versucht sich Alt an einem Blick hinter die Kulissen der beiden Pole der Malereigeschichte und fragt nach der heutigen Wirkkraft malerischer Handlungen. Während seiner vierwöchigen Kurzzeitresidenz vom 15. Februar bis 15. März arbeitet er intensiv an der Weiterentwicklung seiner Formsprache.

Patrick Alt hat nach einem Abschluss als Dipl.-Kommunikationswirt bei Daniel Richter an der Universität der Künste in Berlin, bei Werner Büttner an der Hochschule für Bildende Künste in Hamburg und bei Michael Krebber an der Städelschule in Frankfurt Malerei studiert und sein Malereistudium 2011 in Frankfurt als Meisterschüler abgeschlossen.

Patrick Alt war Teil der Künstlergruppe „Vandel“ (mit Jannis Marwitz, Christian Rothmaler, Philipp Schwalb und Henning Strassburger) und später Teil der Künstlergruppe „Isi“ (mit Lutz Braun, Gabriel Vormstein, Sebastian Hammwöhner, Sören Marquardt, Janne Räisänen, Thomas Kratz und Claudia Zweifel).

Patrick Alt nahm an zahlreichen Gruppen- und Einzelausstellungen im In- und Ausland teil: Index, Kunsthaus Hamburg, Hamburg / Artnews Projects, Berlin / Galerie Martina Detterer, Frankfurt a. M. / Galerie Gnesa, München / Five Thirty Three Gallery, Los Angeles / Centercourt Gallery München / Marks Blond Project, Bern / MMK, Frankfurt a. M. / 
Indianapolis Museum of Contemporary Art (IMOCA) / Galerie Fiebach Minninger und Galerie Christian Nagel, Köln / Helpers, New York / Ausstellungsraum der IG Metall, Berlin / Atelier Frankfurt, Frankfurt / Autocenter, Berlin / Hospitalhof, Stuttgart / Kunstmuseum Nordheimer Scheune, Nordheim / Galerie Kavi Gupta, Chicago, Berlin / Kunstraum Bethanien, Berlin.

Patrick Alt lebt und arbeitet in Berlin und hat einen elfjährigen Sohn.

GABI SCHAFFNER

Gabi Schaffner arbeitet als interdisziplinäre Künstlerin und  Autorin im Bereich Radiokunst, Poetik und spekulative Dokumentation. Schaffners künstlerische Praxis ist bestimmt von den Methoden der poetischen Ethnografie in Verbindung mit fluxusnahen Inszenierungen und Performances. Ein Großteil ihrer Arbeiten entsteht auf Reisen, dabei richtet sich ihr Augenmerk auf liminale Zustände der Alltagskultur, deren Verwandlungspotentional sie nutzt, um – meist über das Medium Radio – traditionelle Genres der Wissensvermittlung zu infiltrieren. Seit 2005 realisiert sie Produktionen für Deutschlandfunk Kultur sowie für den Hessischen Rundfunk, ABC Australia und das internationale Radiokunstnetzwerk radia.fm. Als Schriftstellerin und Übersetzerin veröffentlichte sie zahlreiche Texte, zuletzt  “Radio Revolten Diaries”, in Radio Revolten. 30 Days of Radio Art, Spector 2019. Sie ist Mitgründerin, Organisatorin und künstlerische Leiterin von Datscha Radio, einer nomadischen Radiostation mit Fokus auf Radio- und Klangkunst sowie Ökologie – seit 2012. Gabi Schaffner lebt in Berlin.

Gabi Schaffner besucht Global Forest von Anfang Januar bis Ende März und wird sich unter anderem unter dem Titel „Pandemic New Music“ mit Klangkompositionen zu Nies- und anderen Schnupfengeräuschen beschäftigen.

Haben Sie Fragen an Gabi Schaffner oder Lust persönlich mit ihr in Kontakt zu treten, dann vereinbaren Sie einfach einen Treffen und wenden sich dazu an: jessica.twitchell@global-forest.com

 Aktuell:

„Die kleinere Verpuffung“. Artist’s Corner. Hessen hören #38. Über den Stadtteil Frankfurt-Fechenheim. HR2, 11.1.2020. 23 Uhr

„Radiokunst als Medium künstlerischer und ökologischer Praxis“. Doktorandin Fachbereich Sprache und Kulturwissenschaften. Goethe-Universität, Frankfurt/Main

Webseite: schaffnerin.net

PATRICK FABIAN PANETTA

An Patrick Fabian Panettas Werk scheitern die gängigen kunsthistorischen Kategorien. Betrachtet man seine Arbeiten in ihrer Gesamtheit, mögen einem zwar Begriffe wie Minimal Art, Konzept Kunst oder Institutionskritik in den Sinn kommen, aber keine dieser Kategorisierungen beschreibt den Ansatz des Künstlers eindeutig. Vielmehr lässt sich ihre Verwandtschaft darauf zurückführen, dass sie als eine Art Bestandsaufnahme des Kunstsystems aufgefasst werden können, denn Panetta untersucht auf formaler und inhaltlicher Ebene was die Kunst im 21. Jahrhundert noch leisten kann. Die Spielarten von Gegenstandslosigkeit und Abstraktion scheinen schließlich ausgeschöpft, die Grenzen der traditionellen Medien ausgelotet und gesprengt und jeglicher institutionskritische Ansatz in Affirmation umgemünzt. Die Moderne Utopie von der gesellschaftsverändernden, höheren Kraft der Kunst wurde längst als ebendiese entlarvt und der Neokapitalismus hat in der Digitalisierung eine Komplizin von unschätzbarem Wert gefunden, mit deren Hilfe unsere Lebenswelt bis in den letzten Winkel kommodifiziert wird. Was kann die Kunst also noch in einer Welt bewirken, in der schlussendlich alles zur Ware wird?

Diese Frage und über die Jahre gesammelten Einsichten sind Ausgangspunkt und Grundlage für Panettas fortwährende, intensive Auseinandersetzung mit dem „System Kunst“, die in seinen Werken allgegenwärtig ist.

THOMAS GEIGER & MARK PENZINGER BOOKS

Thomas Geiger

Thomas Geiger (geb. 1983, DE) ist ein in Wien lebender Künstler. Seine Performances und Skulpturen bewegen sich an der Schnittstelle von öffentlichen und privaten/institutionellen Räumen. Sie können als skizzenhafte Bühnen beschrieben werden, auf denen spielerisch zwischen Kunst und Leben vermittelt wird. Sein fortlaufendes Projekt “I want to become a millionaire" kann als das Rückgrat seiner Praxis gesehen werden. Die vielschichtige Arbeit untersucht ökonomische- und Vertriebsstrategien außerhalb des Kunstmarktes. Seine Arbeiten werden international in Museen, Galerien, Festivals und in öffentlichen Räumen präsentiert, dazu zählen u.a. der Steirische Herbst (Graz), Bone Performance Festival (Bern), Museo del Arte Contemporaneo (Santiago de Chile), Museum Tinguely (Basel), Beursschouwburg (Brüssel), Simultanhalle (Köln), Despacio (San José) oder die Fondation d'entreprise Ricard (Paris).

Mark Pezinger Books

Mark Pezinger Books ist ein in Wien ansässiger Verlag für Künstlerbücher, der von der Grafikerin Astrid Seme und dem Künstler Thomas Geiger geleitet wird. Die Publikationen reichen von Unikaten bis zu höheren Auflagen und von Büchern bis zu Soundarbeiten. Grundlage aller Projekte ist ein intensiver Austausch zwischen KünstlerIn, DesignerIn und HerausgeberIn.

Unter dem Titel “Black Forest Library – A place for hidden knowledge” erscheint seit Anfang 2019 eine fortlaufende Taschenbuchreihe. Thematisch bewegt diese sich durch die Randgebieten (der Kunst), dort, wo sich verschiedene Spezialgebiete überschneiden und dabei eigenartige Momente des Wissens entstehen. Die erste Publikation widmete sich dem Gedankenstrich. Im Rahmen der Global Forest Residency entsteht das Folgeband, das sich mit Pinkeln im öffentlichen Raum auseinandersetzt.

PAUL SOCHACKI

Im Zentrum von Paul Sochackis künstlerischer Praxis steht der Mensch und die von ihm kultivierte Welt. Soziale und kulturelle Wertesysteme nimmt der Künstler genauso wie politische und wirtschaftliche immer wieder in Augenschein und kommentiert sie spitzfindig durch die unschuldig wirkende Motivwelt seiner Malereien. Das Spiel mit simplen, aber wirkkräftigen Symbolen und Personifikationen, insbesondere aus der Tierwelt, ist ein Merkmal von Sochackis Bildern. Und gerade durch diese oftmals kindlich-naiv wirkenden Szenerien entfalten die Bilder ihre Wirkkraft.

Auf der Suche nach Erklärungen, warum dem menschlichen Streben nach Kapital und Profit die Moral immer wieder zum Opfer fällt, durchstreift Sochacki sowohl die Vergangenheit als auch die Gegenwart und verbildlicht, wo die Ursprünge des westlichen Selbstverständnisses und der neokapitalistischen Wirtschaftsordnung zu finden sind. Sein Blick auf unsere menschliche Existenz ist dabei oftmals schonungslos, zeigen seine Bildwelten doch die psychischen, sozialen und kulturellen Entitäten auf, die die menschliche Natur prägen und unser oftmals fragwürdiges handeln steuern. Seine Figuren und die klar umrissenen Landschaften, in denen sie sich wiederfinden, sind offen gehalten und in dem Sinne abstrakt, als dass sich ihre Beziehung zueinander erst durch die Konfrontation miteinander offenbart. Die Bilder sprechen den Betrachter direkt an und erzeugen individuelle Bedeutungsebenen und Assoziationen. Dennoch bleibt Ihre Sprache universell, denn schlussendlich sind Paul Sochackis Arbeiten von der festen Überzeugung getragen, dass Kunst gesellschaftsverändernde Potenziale in sich birgt und Reflektionsfläche unserer Realität sein kann.

Immer wieder thematisieren die Arbeiten auch jene Systeme, mit denen Paul Sochacki sich als Künstler konfrontiert sieht – das System Kunst und die Malerei. Insofern sind seine Bilder auch der Versuch "Subjektivität mit der Sprache und Logik eines Mediums sowie dessen Aktualität zu konfrontieren". Denn dem Künstler geht es auch darum, die zynischen Mechanismen aufzuzeigen, die im neokapitalistischen System für die Festigung von Machtstrukturen und Hierarchien verantwortlich sind und somit Ausbeutung ästhetisieren.

Neben der Malerei sind die Fotografie, Performances und Videoarbeiten Teil von Paul Sochackis künstlerischer Arbeit. Notwendiger Nährboden für die vielgestaltigen Ausdrucksformen sind zudem seine zahlreichen Reisen und Kollaborationen sowie der fortwährenden Austausch mit anderen Kunst- und Kulturschaffenden. Paul Sochacki ist außerdem Gründer und Herausgeber des internationalen Kunstmagazins Arts of the Working Class, dass als Straßenmagazin vertrieben wird und zum Ziel hat die Kunst von ihrem elitären Sockel zu holen und zu demokratisieren, indem sie als Straßenmagazin für jedermann zugänglich gemacht wird.

JOANNA SCHULTE

Die multimedial arbeitende Künstlerin Joanna Schulte operiert zwischen Erinnerungs-, Wissens- und Sehnsuchtsräumen. Sie inszeniert in ihren oft installativen Ausstellungen, zusammengesetzt aus (persönlichen) Objekten, Filmen, Fotografien sowie Klang- und Lichtkunst, atmosphärische, stimmungsvolle Situationen, die die Besucher*innen oftmals gänzlich umschließen und in sich aufnehmen. Diese Situationen werden so zu mehr als zum faktischen Begegnungsfeld mit ihrer Kunst sondern funktionieren als soziales Spielfeld.

Während ihrer Kurzzeit Residenz in St. Georgen im Schwarzwald befasst sie sich spielerisch mit der Metaphorik des „Schwarzen“. Als Inspirationsquellen für eine ortsbezogene Klanginstallation dienen das Deutsche Phonomuseum wie auch das Befassen mit physikalischen, psychologischen Theorien und globalen Mythen um das Schwarze Loch.

www.joannaschulte.de

JESSICA TWITCHELL & NATALIE OBERT

Jessica Twitchells  Arbeiten folgen meist einem ortsspezifisch entwickelten Konzept. Ausgehend von der baulichen Struktur des Umraumes ist der Umsetzung ihrer Projekte stets ein bildhauerischer Ansatz eingeschrieben, welcher formale Lösungen einfordert. Wechselseitig analysiert die Künstlerin  Oberfläche und Form, bzw. architektonische Struktur. In deren Verschränkung entstehen daraus neuartige Strukturen, die mal in abstrakte, bis ornamentale Muster – also einer Abstraktion auf der Oberfläche -  mal in formalgestalterisch reduzierte Objekte, bzw. in Rauminstallationen übersetzt werden. Oftmals überlagert sich Beides. Ausgehend von dieser neu geschaffenen Verhältnismäßigkeit, zwischen der künstlerischen Intervention und dem Raum, wird die Perspektive der BetrachterInnen auf das Umfeld gebrochen, dabei de-, wie rekonstruiert; funktional, wie ästhetisch.

www.jessicatwitchell.com

Auch Natalie Obert befasst sich aus bildhauerischer Perspektive mit Raum und Stadt, bzw. deren strukturellen Konditionen. Neben ihrem analytischen Blick auf das gebaute Umfeld legt sie ihr Augenmerk insbesondere auf das Zusammenspiel von dinglichem, sozialem und geistigem Raum sowie auf jene historischen Kontexte, die sich in den Raum, in die Stadt und ihre Subjekte eingeschrieben haben. Durch ihre Kunst mischt sie sich aktiv in diese prae-dispositorische, räumliche wie soziale Ordnung ein, geht Riten, Gewohnheiten alltäglicher Nutzung und Bewegungsabläufen nach, die als alltäglicher ‚Habitus‘, als stumme Gesetzmäßigkeit, durchsichtig geworden sind und gerade dadurch performativ sind. Dieser Performanz des Raumes geht die Künstlerin nach, verquert sie und deutet sie um. Der Erfahrungsraum wird in der Rezeption zum Handlungsraum für sie als Künstlerin und die BetrachterInnen.

www.natalie-obert.de
 

In ihrer gemeinsamen Praxis überlagern sich das formale, konstruktiv-strukturelle Herangehen von Jessica Twitchell mit dem soziologischen von Ansatz Natalie Obert:

Beide Künstlerinnen kennen sich bereits seit ihrem Studium an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Karlsruhe. Zusammen arbeiten sie seit einigen Jahren an einer fortlaufenden Edition. In diesen in sich abgeschlossenen Projekten bedrucken die Künstlerinnen industriell gefertigte Kleidungsstücke im Siebdruck-Verfahren. Jede dieser Kollektionen bezieht sich explizit auf einen Ort, dessen Formen, Farben und Eigenheiten den Künstlerinnen als Inspiration für die Gestaltung dienen. Die dabei entstehenden, tragbaren Unikate sind Kunstwerk und Alltagsgegenstand zugleich. Die TrägerInnen der Kleidungsstücke und die Stadt werden gleichermaßen zum Exponat ihres Umraumes erhoben, werden sichtbar, greifbar, materiell. Beide assimilieren miteinander, wechselseitig, auf der Oberfläche, aktiv und passiv zugleich.

IRENE PÉREZ HERNÁNDEZ

Irene Pérez Hernández beschäftigt sich vor dem Hintergrund der heutigen spätkapitalistischen Gesellschaft mit dem Verhältnis von Skulptur zu Objekt. Sie fordert dabei das historisch etablierte, formalästhetische Erscheinungsbild des Skulpturalen heraus und bewegt sich damit zwischen skulpturaler und performativer Praxis.

Pérez geht davon aus, dass der heutige Warenfluss alle Objekte, aber auch alle Beziehungen – also auch Immaterielles und Ephemeres - in handelbare Werteinheiten verwandelt hat. Diesen Prozess parodiert die Künstlerin, indem sie einfache, scheinbar banale Objekte ihrer geradezu situationsistischen Eigendynamik überlässt und dabei dekontextualisiert.

Die Künstlerin befragt damit Prozesse der Aneignung und untersucht systemische Machtverhältnisse im spätkapitalistischen Gefüge. In ihrer oft reduzierten Formensprache, die auf den Parametern Wiederholung und Zyklizität beruhen und die durch gelbe Akzente durchzogen ist, erkundet sie die tragikomische Dynamik unserer heutigen Gesellschaft. Das Belebte scheint dem Status des Unbelebten nachzueifern. Konzeptuelle Begriffe wie „agency“ und Selbstbestimmtheit werden dabei zu Komplizen ihres satirischen Spiels.

Während ihrer Langzeit Residenz bei Global Forest wird sie sich intensiv mit dem industriellen und kulturellen Erbe – insbesondere der Zeitmessung – im Schwarzwald beschäftigen und ihre „Hook Time Series“ weiterentwickeln, die sich mit Zeitlichkeit, Wiederholung und Zyklizität beschäftigt.

www.ireneperezhernandez.com

JASMINE GUFFOND

Jasmine Guffond ist eine Musikerin, Künstlerin und Komponistin, die an der Schnittstelle zwischen sozialer, politischer und technischer Infrastruktur arbeitet. Ihre Praxis konzentriert sich auf elektronische Komposition in Musik- und Kunstkontexten und umfasst Live-Performance, Aufnahme, Klanginstallation und maßgeschneidertes Browser-Plugin. Durch die Sonifikation von Daten thematisiert sie das Potenzial von Sound, sich mit aktuellen politischen Fragen auseinanderzusetzen.
In den letzten Projekten wurden digitale Technologien, Sonifikation und die Ästhetisierung von Daten eingesetzt, um die Diskussion über zeitgenössische Überwachungstechnologien zu fördern und experimentelle Audioarbeiten zu produzieren. Sie hat international ausgestellt und live gespielt und Musik für die Labels Staubgold, Sonic Pieces und Karlrecords aufgenommen. Ihre Musik greift auf Einflüsse aus experimenteller Elektronik, Drohne, Techno und Avantgarde zurück. Sie arbeitet sowohl mit abstraktem Klang als auch mit traditionellen Musikformen und übersetzt Daten in tiefgreifende Kompositionen. Für das Reservoir Festival wird Jasmine ihre Musik live aufführen und ein neues Klangwerk für einen der Bögen am Linacher Staudamm schaffen.

www.jasmineguffond.com

SIMON WHETHAM

Bereits seit 2005 entwickelt Simon Whetham Methoden, wie er Schallaktivität als Rohmaterial für seine Arbeiten nutzbar machen kann. Er verwendet Umgebungsgeräusche und wendet eine Vielzahl von Techniken an, um oft unbemerkte und verdeckte Schallphänomene aufzunehmen. In seinen Performances und Installationen werden für ihn der Raum und die darin enthaltenen Objekte zu Instrumenten, mit denen er sehr unterschiedliche Klänge erzeugt. Seine vielseitigen künstlerischen Auseinandersetzungen haben dazu geführt, dass er zunehmend in interdisziplinären Projekten arbeitet. Derzeit erforscht er beispielsweise Möglichkeiten, um physische Spuren von Schall zu bewahren und in andere Energieformen zu transformieren. Während seiner Residenz bei Global Forest wird Simon Whetham an einer Performance arbeiten, die dieses Phänomen anhand des Elements und Klangträgers Wasser beim Reservor Festival an der Linachtalsperre in Vöhrenbach für die Besucher erlebbar macht.

TIMO DUFner

Timo Dufner ist Musiker, Medienkünstler und Informatiker. Der Schwerpunkt seiner Arbeiten liegt im Austesten der Grenzen von Hard- und Software, wobei Fehler, sogenannte Glitches, ein essentieller und bewusst in Kauf genommener Bestandteil sind. Die direkte Interaktion zwischen Klang und Bild und der Austausch zwischen dem Publikum und dem Stück sind ebenfalls charakteristische Merkmale. Alle Werke entstehen in Echtzeit, also im Moment, und variieren so von Performance zu Performance. Echtzeit Klangverarbeitung, Machine Learning, AI, Live Coding sowie diverse elektronische Instrumente kommen in den Arbeiten von Timo Dufner zum Einsatz.

www.timodufner.com

ZIRBINSKY

Seit 2003 hat sich der Lo-Fi-Pop Bastler Zirbinski dem performativen-audiovisuellen Spiel mit Fiktion, Identität und Wahrnehmung verschrieben. Auf der Suche nach imaginativen Klangfarben und Bildtexturen baut er eigene Module, die es ihm ermöglichen intuitiv zu formen und zu komponieren. So lädt der „Reiseleiter“ – als der sich Zirbinsky selbst versteht – ein, sich mit ihm auf eine fantastische Exkursion zu begeben, die unsere alltäglichen Koordinaten verschwimmen lässt.

www.zirbinski.bandcamp.com

YPSMAEL

Ypsmael erweitert unter dem Projektnamen AeLypsm sein analoges Klangvokabular durch Visual Programming und Physical Computing Ansätze. Diese werden eingesetzt, um live die Stimmungen des unmittelbaren Umfelds sowie Klänge verschiedener Instrumente und „mikrofonierter“ Gegenstände einzufangen und mittels Live Elektronik zu verarbeiten. Das seit 2010 existierende Projekt AeLypsm präsentierte solche Klangperformances u.a. in New York City, Los Angeles, London, Paris, Istanbul, sowie bei einschlägigen Festivals wie dem High Desert Soundings (Joshua Tree), Zuider Festival (Enschede), Wysing Arts Space-Time (Cambridge), etc.

www.ypsmael.com

OLSEN

Olsens Arbeiten untersuchen die Schnittstelle zwischen Mensch und Maschine, der wir in Form von Alltagstechnologien ständig begegnen. Beispiele sind das per Knopfdruck bedienbare Öffnen des Kofferraums, der automatische Raumbedufter oder auch der Rasenmäherroboter. Bei all diesen Beispielen handelt es sich um Automaten – Maschinen bzw. Computer – die mit Hilfe von Programmierungen bestimmte Tätigkeiten für den Menschen erledigen. So kann Technologie als die Anstrengung verstanden werden, dem Mensch Anstrengung zu ersparen. Die Roboter und Apparate, mit denen sich der Künstler beschäftigt und die er auch selber baut, sind an den Schnittstellen der funktionalen und rationalen Logik von Technologie positioniert.