Der gemeinnützige Verein Global Forest e.V. wurde im Oktober 2018 von KünstlernInnen, KuratorInnen, WissenschaftlerInnen und anderen Kulturschaffenden in St. Georgen im Schwarzwald mit der Intention gegründet, einen Ort zur Förderung und Präsentation zeitgenössischer Kunst zu schaffen. Zunächst als offenes Netzwerk ins Leben gerufen, hat Global Forest seit 2016 bereits so verschiedene Veranstaltungsformate wie Ausstellungen, Vorträge, Symposien und Workshops realisiert.
Vorrangiges Ziel des Vereins ist es jungen nationalen und internationalen KünstlerInnen eine Ausstellungs- und Präsentationsplattform zu bieten. Zugleich soll ein differenzierter Diskurs zu aktuellen Fragestellungen zeitgenössischer Kunst ermöglicht werden.
Der gemeinnützige Verein Global Forest e.V. wurde im Oktober 2018 von KünstlernInnen, KuratorInnen, WissenschaftlerInnen und anderen Kulturschaffenden in St. Georgen im Schwarzwald mit der Intention gegründet, einen Ort zur Förderung und Präsentation zeitgenössischer Kunst zu schaffen. Zunächst als offenes Netzwerk ins Leben gerufen, hat Global Forest seit 2016 bereits so verschiedene Veranstaltungsformate wie Ausstellungen, Vorträge, Symposien und Workshops realisiert.
Vorrangiges Ziel des Vereins ist es jungen nationalen und internationalen KünstlerInnen eine Ausstellungs- und Präsentationsplattform zu bieten. Zugleich soll ein differenzierter Diskurs zu aktuellen Fragestellungen zeitgenössischer Kunst ermöglicht werden.
Bedingt durch die traditionsreiche Industriegeschichte von St. Georgen, wo im 20. Jahrhundert so zukunftsweisende Firmen der Phonoindustrie wie Dual und PE beheimatet waren, legt Global Forest einen besonderen Fokus auf die Schnittstelle zwischen Bildender Kunst, Technik und experimenteller Musik. Gleichzeitig verschließt sich der Verein aber keiner Gattung und keinem Medium im künstlerischen Schaffen.
Neben der Vernetzung mit anderen regionalen, nationalen sowie internationalen Kunst- und Kulturinstitutionen, legt Global Forest großen Wert auf die Etablierung eines offenen Hauses, in dem insbesondere die Menschen in und um St. Georgen sowie der gesamten Region eingeladen sind, sich an den kreativen Prozessen der jungen KünstlerInnen zu beteiligen. Ziel ist es die soziale Distanz gegenüber der zeitgenössischen Kunst und ihrer Institutionen abzubauen und durch alle Bevölkerungsschichten hindurch Begeisterung für sie zu wecken.
Die verschiedenen Veranstaltungs- und Präsentationsformate sind Anlass für einen disziplinübergreifenden und weiterführenden Austausch über zeitgenössische Kunst. Leitgedanke dieses öffentlich zugänglichen Veranstaltungsprogramms ist neben der fundierten Vermittlung von Kunst und ihrer Diskurse an ein interessiertes Publikum, auch die Idee einer offenen Plattform des Austausches. Denn wir sind davon überzeugt, dass durch Kollaborationen und die wechselseitige Kommunikation mit den Künstlern, den Menschen vor Ort, der lokalen Industrie sowie den regionalen Kunst- und Kulturinstitutionen ein nachhaltiger Mehrwert für alle geschaffen werden kann.
Die Räumlichkeiten des ehemaligen Ateliers von Martin Kippenberger werden von Global Forest als Quartier der Künstlerresidenz Friedrichstraße 5a genutzt. Seit Mai 2019 bekommen nationale und internationale KünstlerInnen im Rahmen eines finanzierten Residenz-Aufenthaltes die Möglichkeit ihre künstlerische Praxis zu vertiefen, neue Themen zu erschließen, vor Ort neue Arbeiten zu entwickeln und diese auszustellen bzw. zu präsentieren.
Die Räumlichkeiten des ehemaligen Ateliers von Martin Kippenberger werden von Global Forest als Quartier der Künstlerresidenz Friedrichstraße 5a genutzt. Seit Mai 2019 bekommen nationale und internationale KünstlerInnen im Rahmen eines finanzierten Residenz-Aufenthaltes die Möglichkeit ihre künstlerische Praxis zu vertiefen, neue Themen zu erschließen, vor Ort neue Arbeiten zu entwickeln und diese auszustellen bzw. zu präsentieren.
Damit bietet die Friedrichstrasse 5a KünstlerInnen einerseits den Rahmen frei zu experimentieren, andererseits aber auch den Raum in der idyllischen Abgeschiedenheit des Schwarzwaldes konzentriert und ungestört eigene innovative Projekte voranzutreiben.
Die Aufenthaltsdauer der Langzeit-Residenzen beträgt drei Monate. Im Rahmen der Langzeit-Residenzen stellt Global Forest dem/der KünstlerIn jeweils eine kostenlose Unterbringung in der Friedrichstraße 5a sowie einen Arbeitsplatz im Atelier zur Verfügung. Die Künstlerresidenz ist mit einer modernen Küche und einem einfachen Badezimmer ausgestattet. Der/die KünstlerIn wird in einem Einzelzimmer untergebracht.
Der/die ResidentIn erhält während des Aufenthalts ein monatliches Stipendium über 1000 €, ein Produktionsbudget über bis zu 2000 € zur Realisierung des eingereichten Projekts sowie bis zu 300 € An- und Abreisekosten. Der/die ResidentIn verpflichtet sich, den Aufenthalt im Schwarzwald mit einer öffentlichen Präsentation, wie z.B. einer Ausstellung oder einer Performance, abzuschließen, in der das Ergebnis des Residenzaufenthalts der Öffentlichkeit zugänglich gemacht wird. Für die Produktion dieser Präsentation steht ein weiteres Budget über bis zu 500 € zur Verfügung. Der/die KünstlerIn verpflichtet sich außerdem, dem Verein Global Forest eine Editionsarbeit für die Jahresgaben zur Verfügung zu stellen. Während der Lang-Residenzen besteht Anwesenheitspflicht von insgesamt mindestens 85%.
Die Aufenthaltsdauer der Kurzzeit-Residenzen beträgt zwei bis vier Wochen. Im Rahmen der Kurzzeit-Residenzen stellt Global Forest dem/der KünstlerIn jeweils eine kostenlose Unterbringung in der Friedrichstraße 5a sowie einen Arbeitsplatz im Atelier zur Verfügung. Die Künstlerresidenz ist mit einer modernen Küche und einem einfachen Badezimmer ausgestattet. Der/die KünstlerIn wird in einem Einzelzimmer untergebracht.
Der/die ResidentIn erhält während des Aufenthalts ein Stipendium über 350 €, ein Produktionsbudget über 350 € zur Realisierung des eingereichten Projekts sowie bis zu 300 € An- und Abreisekosten.
Der/die ResidentIn verpflichtet sich den Aufenthalt im Schwarzwald mit einer öffentlichen Präsentation, wie z.B. einer Ausstellung, einem Workshop, einem Screening oder einer Performance, abzuschließen, in der das Ergebnis des Residenzaufenthalts der Öffentlichkeit zugänglich gemacht wird. Der/die KünstlerIn verpflichtet sich außerdem, dem Verein Global Forest eine Editionsarbeit für die Jahresgaben zur Verfügung zu stellen. Während der Kurzzeit-Residenzen besteht Anwesenheitspflicht.
Für Patrick Alt war die Kunst von Anfang an an der Schwelle zwischen Gegenständlichem und Abstraktem gelagert, was dazu führte, dass er meist mehr formulierte als abzubilden. Seine Kunst ist immer ambivalent und zweideutig. Sie spricht doppelzüngig, mehrdeutig, spielt Abstraktion und Figuration gegeneinander aus, ohne sich hinter pathetischer Symbolik zu verstecken und diese zugunsten einer verlässlichen Sinnhaftigkeit auszuspielen. So versucht sich Alt an einem Blick hinter die Kulissen der beiden Pole der Malereigeschichte und fragt nach der heutigen Wirkkraft malerischer Handlungen. Während seiner vierwöchigen Kurzzeitresidenz vom 15. Februar bis 15. März arbeitet er intensiv an der Weiterentwicklung seiner Formsprache.
Patrick Alt hat nach einem Abschluss als Dipl.-Kommunikationswirt bei Daniel Richter an der Universität der Künste in Berlin, bei Werner Büttner an der Hochschule für Bildende Künste in Hamburg und bei Michael Krebber an der Städelschule in Frankfurt Malerei studiert und sein Malereistudium 2011 in Frankfurt als Meisterschüler abgeschlossen.
Patrick Alt war Teil der Künstlergruppe „Vandel“ (mit Jannis Marwitz, Christian Rothmaler, Philipp Schwalb und Henning Strassburger) und später Teil der Künstlergruppe „Isi“ (mit Lutz Braun, Gabriel Vormstein, Sebastian Hammwöhner, Sören Marquardt, Janne Räisänen, Thomas Kratz und Claudia Zweifel).
Patrick Alt nahm an zahlreichen Gruppen- und Einzelausstellungen im In- und Ausland teil: Index, Kunsthaus Hamburg, Hamburg / Artnews Projects, Berlin / Galerie Martina Detterer, Frankfurt a. M. / Galerie Gnesa, München / Five Thirty Three Gallery, Los Angeles / Centercourt Gallery München / Marks Blond Project, Bern / MMK, Frankfurt a. M. / Indianapolis Museum of Contemporary Art (IMOCA) / Galerie Fiebach Minninger und Galerie Christian Nagel, Köln / Helpers, New York / Ausstellungsraum der IG Metall, Berlin / Atelier Frankfurt, Frankfurt / Autocenter, Berlin / Hospitalhof, Stuttgart / Kunstmuseum Nordheimer Scheune, Nordheim / Galerie Kavi Gupta, Chicago, Berlin / Kunstraum Bethanien, Berlin.
Patrick Alt lebt und arbeitet in Berlin und hat einen elfjährigen Sohn.
Gabi Schaffner arbeitet als interdisziplinäre Künstlerin und Autorin im Bereich Radiokunst, Poetik und spekulative Dokumentation. Schaffners künstlerische Praxis ist bestimmt von den Methoden der poetischen Ethnografie in Verbindung mit fluxusnahen Inszenierungen und Performances. Ein Großteil ihrer Arbeiten entsteht auf Reisen, dabei richtet sich ihr Augenmerk auf liminale Zustände der Alltagskultur, deren Verwandlungspotentional sie nutzt, um – meist über das Medium Radio – traditionelle Genres der Wissensvermittlung zu infiltrieren. Seit 2005 realisiert sie Produktionen für Deutschlandfunk Kultur sowie für den Hessischen Rundfunk, ABC Australia und das internationale Radiokunstnetzwerk radia.fm. Als Schriftstellerin und Übersetzerin veröffentlichte sie zahlreiche Texte, zuletzt “Radio Revolten Diaries”, in Radio Revolten. 30 Days of Radio Art, Spector 2019. Sie ist Mitgründerin, Organisatorin und künstlerische Leiterin von Datscha Radio, einer nomadischen Radiostation mit Fokus auf Radio- und Klangkunst sowie Ökologie – seit 2012. Gabi Schaffner lebt in Berlin.
Gabi Schaffner besucht Global Forest von Anfang Januar bis Ende März und wird sich unter anderem unter dem Titel „Pandemic New Music“ mit Klangkompositionen zu Nies- und anderen Schnupfengeräuschen beschäftigen.
Haben Sie Fragen an Gabi Schaffner oder Lust persönlich mit ihr in Kontakt zu treten, dann vereinbaren Sie einfach einen Treffen und wenden sich dazu an: jessica.twitchell@global-forest.com
Aktuell:
„Die kleinere Verpuffung“. Artist’s Corner. Hessen hören #38. Über den Stadtteil Frankfurt-Fechenheim. HR2, 11.1.2020. 23 Uhr
„Radiokunst als Medium künstlerischer und ökologischer Praxis“. Doktorandin Fachbereich Sprache und Kulturwissenschaften. Goethe-Universität, Frankfurt/Main
Webseite: schaffnerin.net
An Patrick Fabian Panettas Werk scheitern die gängigen kunsthistorischen Kategorien. Betrachtet man seine Arbeiten in ihrer Gesamtheit, mögen einem zwar Begriffe wie Minimal Art, Konzept Kunst oder Institutionskritik in den Sinn kommen, aber keine dieser Kategorisierungen beschreibt den Ansatz des Künstlers eindeutig. Vielmehr lässt sich ihre Verwandtschaft darauf zurückführen, dass sie als eine Art Bestandsaufnahme des Kunstsystems aufgefasst werden können, denn Panetta untersucht auf formaler und inhaltlicher Ebene was die Kunst im 21. Jahrhundert noch leisten kann. Die Spielarten von Gegenstandslosigkeit und Abstraktion scheinen schließlich ausgeschöpft, die Grenzen der traditionellen Medien ausgelotet und gesprengt und jeglicher institutionskritische Ansatz in Affirmation umgemünzt. Die Moderne Utopie von der gesellschaftsverändernden, höheren Kraft der Kunst wurde längst als ebendiese entlarvt und der Neokapitalismus hat in der Digitalisierung eine Komplizin von unschätzbarem Wert gefunden, mit deren Hilfe unsere Lebenswelt bis in den letzten Winkel kommodifiziert wird. Was kann die Kunst also noch in einer Welt bewirken, in der schlussendlich alles zur Ware wird?
Diese Frage und über die Jahre gesammelten Einsichten sind Ausgangspunkt und Grundlage für Panettas fortwährende, intensive Auseinandersetzung mit dem „System Kunst“, die in seinen Werken allgegenwärtig ist.
Thomas Geiger
Thomas Geiger (geb. 1983, DE) ist ein in Wien lebender Künstler. Seine Performances und Skulpturen bewegen sich an der Schnittstelle von öffentlichen und privaten/institutionellen Räumen. Sie können als skizzenhafte Bühnen beschrieben werden, auf denen spielerisch zwischen Kunst und Leben vermittelt wird. Sein fortlaufendes Projekt “I want to become a millionaire" kann als das Rückgrat seiner Praxis gesehen werden. Die vielschichtige Arbeit untersucht ökonomische- und Vertriebsstrategien außerhalb des Kunstmarktes. Seine Arbeiten werden international in Museen, Galerien, Festivals und in öffentlichen Räumen präsentiert, dazu zählen u.a. der Steirische Herbst (Graz), Bone Performance Festival (Bern), Museo del Arte Contemporaneo (Santiago de Chile), Museum Tinguely (Basel), Beursschouwburg (Brüssel), Simultanhalle (Köln), Despacio (San José) oder die Fondation d'entreprise Ricard (Paris).
Mark Pezinger Books
Mark Pezinger Books ist ein in Wien ansässiger Verlag für Künstlerbücher, der von der Grafikerin Astrid Seme und dem Künstler Thomas Geiger geleitet wird. Die Publikationen reichen von Unikaten bis zu höheren Auflagen und von Büchern bis zu Soundarbeiten. Grundlage aller Projekte ist ein intensiver Austausch zwischen KünstlerIn, DesignerIn und HerausgeberIn.
Unter dem Titel “Black Forest Library – A place for hidden knowledge” erscheint seit Anfang 2019 eine fortlaufende Taschenbuchreihe. Thematisch bewegt diese sich durch die Randgebieten (der Kunst), dort, wo sich verschiedene Spezialgebiete überschneiden und dabei eigenartige Momente des Wissens entstehen. Die erste Publikation widmete sich dem Gedankenstrich. Im Rahmen der Global Forest Residency entsteht das Folgeband, das sich mit Pinkeln im öffentlichen Raum auseinandersetzt.
Im Zentrum von Paul Sochackis künstlerischer Praxis steht der Mensch und die von ihm kultivierte Welt. Soziale und kulturelle Wertesysteme nimmt der Künstler genauso wie politische und wirtschaftliche immer wieder in Augenschein und kommentiert sie spitzfindig durch die unschuldig wirkende Motivwelt seiner Malereien. Das Spiel mit simplen, aber wirkkräftigen Symbolen und Personifikationen, insbesondere aus der Tierwelt, ist ein Merkmal von Sochackis Bildern. Und gerade durch diese oftmals kindlich-naiv wirkenden Szenerien entfalten die Bilder ihre Wirkkraft.
Auf der Suche nach Erklärungen, warum dem menschlichen Streben nach Kapital und Profit die Moral immer wieder zum Opfer fällt, durchstreift Sochacki sowohl die Vergangenheit als auch die Gegenwart und verbildlicht, wo die Ursprünge des westlichen Selbstverständnisses und der neokapitalistischen Wirtschaftsordnung zu finden sind. Sein Blick auf unsere menschliche Existenz ist dabei oftmals schonungslos, zeigen seine Bildwelten doch die psychischen, sozialen und kulturellen Entitäten auf, die die menschliche Natur prägen und unser oftmals fragwürdiges handeln steuern. Seine Figuren und die klar umrissenen Landschaften, in denen sie sich wiederfinden, sind offen gehalten und in dem Sinne abstrakt, als dass sich ihre Beziehung zueinander erst durch die Konfrontation miteinander offenbart. Die Bilder sprechen den Betrachter direkt an und erzeugen individuelle Bedeutungsebenen und Assoziationen. Dennoch bleibt Ihre Sprache universell, denn schlussendlich sind Paul Sochackis Arbeiten von der festen Überzeugung getragen, dass Kunst gesellschaftsverändernde Potenziale in sich birgt und Reflektionsfläche unserer Realität sein kann.
Immer wieder thematisieren die Arbeiten auch jene Systeme, mit denen Paul Sochacki sich als Künstler konfrontiert sieht – das System Kunst und die Malerei. Insofern sind seine Bilder auch der Versuch "Subjektivität mit der Sprache und Logik eines Mediums sowie dessen Aktualität zu konfrontieren". Denn dem Künstler geht es auch darum, die zynischen Mechanismen aufzuzeigen, die im neokapitalistischen System für die Festigung von Machtstrukturen und Hierarchien verantwortlich sind und somit Ausbeutung ästhetisieren.
Neben der Malerei sind die Fotografie, Performances und Videoarbeiten Teil von Paul Sochackis künstlerischer Arbeit. Notwendiger Nährboden für die vielgestaltigen Ausdrucksformen sind zudem seine zahlreichen Reisen und Kollaborationen sowie der fortwährenden Austausch mit anderen Kunst- und Kulturschaffenden. Paul Sochacki ist außerdem Gründer und Herausgeber des internationalen Kunstmagazins Arts of the Working Class, dass als Straßenmagazin vertrieben wird und zum Ziel hat die Kunst von ihrem elitären Sockel zu holen und zu demokratisieren, indem sie als Straßenmagazin für jedermann zugänglich gemacht wird.
Die multimedial arbeitende Künstlerin Joanna Schulte operiert zwischen Erinnerungs-, Wissens- und Sehnsuchtsräumen. Sie inszeniert in ihren oft installativen Ausstellungen, zusammengesetzt aus (persönlichen) Objekten, Filmen, Fotografien sowie Klang- und Lichtkunst, atmosphärische, stimmungsvolle Situationen, die die Besucher*innen oftmals gänzlich umschließen und in sich aufnehmen. Diese Situationen werden so zu mehr als zum faktischen Begegnungsfeld mit ihrer Kunst sondern funktionieren als soziales Spielfeld.
Während ihrer Kurzzeit Residenz in St. Georgen im Schwarzwald befasst sie sich spielerisch mit der Metaphorik des „Schwarzen“. Als Inspirationsquellen für eine ortsbezogene Klanginstallation dienen das Deutsche Phonomuseum wie auch das Befassen mit physikalischen, psychologischen Theorien und globalen Mythen um das Schwarze Loch.
Jessica Twitchells Arbeiten folgen meist einem ortsspezifisch entwickelten Konzept. Ausgehend von der baulichen Struktur des Umraumes ist der Umsetzung ihrer Projekte stets ein bildhauerischer Ansatz eingeschrieben, welcher formale Lösungen einfordert. Wechselseitig analysiert die Künstlerin Oberfläche und Form, bzw. architektonische Struktur. In deren Verschränkung entstehen daraus neuartige Strukturen, die mal in abstrakte, bis ornamentale Muster – also einer Abstraktion auf der Oberfläche - mal in formalgestalterisch reduzierte Objekte, bzw. in Rauminstallationen übersetzt werden. Oftmals überlagert sich Beides. Ausgehend von dieser neu geschaffenen Verhältnismäßigkeit, zwischen der künstlerischen Intervention und dem Raum, wird die Perspektive der BetrachterInnen auf das Umfeld gebrochen, dabei de-, wie rekonstruiert; funktional, wie ästhetisch.
Auch Natalie Obert befasst sich aus bildhauerischer Perspektive mit Raum und Stadt, bzw. deren strukturellen Konditionen. Neben ihrem analytischen Blick auf das gebaute Umfeld legt sie ihr Augenmerk insbesondere auf das Zusammenspiel von dinglichem, sozialem und geistigem Raum sowie auf jene historischen Kontexte, die sich in den Raum, in die Stadt und ihre Subjekte eingeschrieben haben. Durch ihre Kunst mischt sie sich aktiv in diese prae-dispositorische, räumliche wie soziale Ordnung ein, geht Riten, Gewohnheiten alltäglicher Nutzung und Bewegungsabläufen nach, die als alltäglicher ‚Habitus‘, als stumme Gesetzmäßigkeit, durchsichtig geworden sind und gerade dadurch performativ sind. Dieser Performanz des Raumes geht die Künstlerin nach, verquert sie und deutet sie um. Der Erfahrungsraum wird in der Rezeption zum Handlungsraum für sie als Künstlerin und die BetrachterInnen.
In ihrer gemeinsamen Praxis überlagern sich das formale, konstruktiv-strukturelle Herangehen von Jessica Twitchell mit dem soziologischen von Ansatz Natalie Obert:
Beide Künstlerinnen kennen sich bereits seit ihrem Studium an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Karlsruhe. Zusammen arbeiten sie seit einigen Jahren an einer fortlaufenden Edition. In diesen in sich abgeschlossenen Projekten bedrucken die Künstlerinnen industriell gefertigte Kleidungsstücke im Siebdruck-Verfahren. Jede dieser Kollektionen bezieht sich explizit auf einen Ort, dessen Formen, Farben und Eigenheiten den Künstlerinnen als Inspiration für die Gestaltung dienen. Die dabei entstehenden, tragbaren Unikate sind Kunstwerk und Alltagsgegenstand zugleich. Die TrägerInnen der Kleidungsstücke und die Stadt werden gleichermaßen zum Exponat ihres Umraumes erhoben, werden sichtbar, greifbar, materiell. Beide assimilieren miteinander, wechselseitig, auf der Oberfläche, aktiv und passiv zugleich.
Irene Pérez Hernández beschäftigt sich vor dem Hintergrund der heutigen spätkapitalistischen Gesellschaft mit dem Verhältnis von Skulptur zu Objekt. Sie fordert dabei das historisch etablierte, formalästhetische Erscheinungsbild des Skulpturalen heraus und bewegt sich damit zwischen skulpturaler und performativer Praxis.
Pérez geht davon aus, dass der heutige Warenfluss alle Objekte, aber auch alle Beziehungen – also auch Immaterielles und Ephemeres - in handelbare Werteinheiten verwandelt hat. Diesen Prozess parodiert die Künstlerin, indem sie einfache, scheinbar banale Objekte ihrer geradezu situationsistischen Eigendynamik überlässt und dabei dekontextualisiert.
Die Künstlerin befragt damit Prozesse der Aneignung und untersucht systemische Machtverhältnisse im spätkapitalistischen Gefüge. In ihrer oft reduzierten Formensprache, die auf den Parametern Wiederholung und Zyklizität beruhen und die durch gelbe Akzente durchzogen ist, erkundet sie die tragikomische Dynamik unserer heutigen Gesellschaft. Das Belebte scheint dem Status des Unbelebten nachzueifern. Konzeptuelle Begriffe wie „agency“ und Selbstbestimmtheit werden dabei zu Komplizen ihres satirischen Spiels.
Während ihrer Langzeit Residenz bei Global Forest wird sie sich intensiv mit dem industriellen und kulturellen Erbe – insbesondere der Zeitmessung – im Schwarzwald beschäftigen und ihre „Hook Time Series“ weiterentwickeln, die sich mit Zeitlichkeit, Wiederholung und Zyklizität beschäftigt.
Jasmine Guffond ist eine Musikerin, Künstlerin und Komponistin, die an der Schnittstelle zwischen sozialer, politischer und technischer Infrastruktur arbeitet. Ihre Praxis konzentriert sich auf elektronische Komposition in Musik- und Kunstkontexten und umfasst Live-Performance, Aufnahme, Klanginstallation und maßgeschneidertes Browser-Plugin. Durch die Sonifikation von Daten thematisiert sie das Potenzial von Sound, sich mit aktuellen politischen Fragen auseinanderzusetzen.
In den letzten Projekten wurden digitale Technologien, Sonifikation und die Ästhetisierung von Daten eingesetzt, um die Diskussion über zeitgenössische Überwachungstechnologien zu fördern und experimentelle Audioarbeiten zu produzieren. Sie hat international ausgestellt und live gespielt und Musik für die Labels Staubgold, Sonic Pieces und Karlrecords aufgenommen. Ihre Musik greift auf Einflüsse aus experimenteller Elektronik, Drohne, Techno und Avantgarde zurück. Sie arbeitet sowohl mit abstraktem Klang als auch mit traditionellen Musikformen und übersetzt Daten in tiefgreifende Kompositionen. Für das Reservoir Festival wird Jasmine ihre Musik live aufführen und ein neues Klangwerk für einen der Bögen am Linacher Staudamm schaffen.
Bereits seit 2005 entwickelt Simon Whetham Methoden, wie er Schallaktivität als Rohmaterial für seine Arbeiten nutzbar machen kann. Er verwendet Umgebungsgeräusche und wendet eine Vielzahl von Techniken an, um oft unbemerkte und verdeckte Schallphänomene aufzunehmen. In seinen Performances und Installationen werden für ihn der Raum und die darin enthaltenen Objekte zu Instrumenten, mit denen er sehr unterschiedliche Klänge erzeugt. Seine vielseitigen künstlerischen Auseinandersetzungen haben dazu geführt, dass er zunehmend in interdisziplinären Projekten arbeitet. Derzeit erforscht er beispielsweise Möglichkeiten, um physische Spuren von Schall zu bewahren und in andere Energieformen zu transformieren. Während seiner Residenz bei Global Forest wird Simon Whetham an einer Performance arbeiten, die dieses Phänomen anhand des Elements und Klangträgers Wasser beim Reservor Festival an der Linachtalsperre in Vöhrenbach für die Besucher erlebbar macht.
Timo Dufner ist Musiker, Medienkünstler und Informatiker. Der Schwerpunkt seiner Arbeiten liegt im Austesten der Grenzen von Hard- und Software, wobei Fehler, sogenannte Glitches, ein essentieller und bewusst in Kauf genommener Bestandteil sind. Die direkte Interaktion zwischen Klang und Bild und der Austausch zwischen dem Publikum und dem Stück sind ebenfalls charakteristische Merkmale. Alle Werke entstehen in Echtzeit, also im Moment, und variieren so von Performance zu Performance. Echtzeit Klangverarbeitung, Machine Learning, AI, Live Coding sowie diverse elektronische Instrumente kommen in den Arbeiten von Timo Dufner zum Einsatz.
Seit 2003 hat sich der Lo-Fi-Pop Bastler Zirbinski dem performativen-audiovisuellen Spiel mit Fiktion, Identität und Wahrnehmung verschrieben. Auf der Suche nach imaginativen Klangfarben und Bildtexturen baut er eigene Module, die es ihm ermöglichen intuitiv zu formen und zu komponieren. So lädt der „Reiseleiter“ – als der sich Zirbinsky selbst versteht – ein, sich mit ihm auf eine fantastische Exkursion zu begeben, die unsere alltäglichen Koordinaten verschwimmen lässt.
Ypsmael erweitert unter dem Projektnamen AeLypsm sein analoges Klangvokabular durch Visual Programming und Physical Computing Ansätze. Diese werden eingesetzt, um live die Stimmungen des unmittelbaren Umfelds sowie Klänge verschiedener Instrumente und „mikrofonierter“ Gegenstände einzufangen und mittels Live Elektronik zu verarbeiten. Das seit 2010 existierende Projekt AeLypsm präsentierte solche Klangperformances u.a. in New York City, Los Angeles, London, Paris, Istanbul, sowie bei einschlägigen Festivals wie dem High Desert Soundings (Joshua Tree), Zuider Festival (Enschede), Wysing Arts Space-Time (Cambridge), etc.
Olsens Arbeiten untersuchen die Schnittstelle zwischen Mensch und Maschine, der wir in Form von Alltagstechnologien ständig begegnen. Beispiele sind das per Knopfdruck bedienbare Öffnen des Kofferraums, der automatische Raumbedufter oder auch der Rasenmäherroboter. Bei all diesen Beispielen handelt es sich um Automaten – Maschinen bzw. Computer – die mit Hilfe von Programmierungen bestimmte Tätigkeiten für den Menschen erledigen. So kann Technologie als die Anstrengung verstanden werden, dem Mensch Anstrengung zu ersparen. Die Roboter und Apparate, mit denen sich der Künstler beschäftigt und die er auch selber baut, sind an den Schnittstellen der funktionalen und rationalen Logik von Technologie positioniert.
Installation im öffentlichen Raum: 29. März bis Ende Mai, Friedrichstr. 5a, St. Georgen
Aufgrund der gegenwärtigen Verbreitung des Covid19-Virus mussten wir die geplante Abschlusspräsentation unserer Residentin Gabi Schaffner leider absagen. Stattdessen können Auszüge des Albums bei einem Spaziergang in der Friedrichstrasse 5a, an der Fassade des Kunstvereins und auf (behandschuhten) Knopfdruck angehört werden. Ergänzend sind im Fenster das Plattencover und Fotografien des Entstehungsprozesses zu sehen. Gabi Schaffner ist damit die zweite Künstlerin, die unser Schau- & Hörfenster bespielt.
Ebenfalls gibt ein Web-Stream Einblicke in Gabi Schaffners spannendes Klangprojekt: Unmittelbar in den Räumen der Residenz wurde eine Radiosendung produziert, aufgezeichnet und live gesendet. Der Stream entstand für das Internetradio π-node im Rahmen des ANTIVIRUS-Radiokunstaufrufs. Sie ist unter folgendem Link von Zuhause aus anzuhören: https://www.mixcloud.com/Global_Forest/gabi-schaffner-on-pi-radio-streaming-from-global-forest-ev/
Gabi Schaffner „PANDEMIC NEW MUSIC. Fazzoletto per un eternità”
“Taschentuch für eine Ewigkeit” – so der Titel in deutscher Übersetzung – ist eine Serie symphonischer Kompositionen basierend auf Posaune, Trompete, Klarinette, Niesern und weiteren Schnupfen-Geräuschen.
Die Musik verknüpft die Künstlerin Gabi Schaffner mit der Biografie der 1899 im toskanischen Hinterland geborenen Mauricia Pucci. Unwillig, die ihr als Mädchen und Frau auferlegten Rollen einzunehmen, wanderte Mauricia 1918 nach New York aus, wechselte zu einer männlichen Identität über und arbeitete fortan als Komponist „Mauricio ‚Farfalla’ Pucci“. Nach dem tragischen Ende seiner Liebesbeziehung zu dem Komponisten Charles Tomlinson Griffes, der 1920 an den Folgen von Überarbeitung und Influenza starb, kehrte Pucci nach Italien zurück. Dort begann er mit dem 1922 von ihm gegründeten „Orchestra di Starnuti“ die Neue Musik mit unwillkürlichen, nasalen Äußerungen zu ‚infizieren’.
Puccis „Schnupfensinfonien“ zeigen eine Annäherung an die Neue Musik, die den Körper und seine flüchtigen Äußerungen mit einschließt. Ihr subversiver Humor mag als Kritik an der weiterhin mageren Repräsentation weiblicher und diverser MusikerInnen in der Musikgeschichte verstanden werden. Vor allem aber ist es eine der unmittelbaren Lebenswelt verbundene Hommage an die Verletzlichkeit und Zeitlichkeit unserer Existenz.
“Taschentuch für eine Ewigkeit“ spielt mit der Überschreitung von Genre- und Geschlechtergrenzen und bildet ein interdisziplinäres Projekt der Künstlerin, in dem Poetik, Komposition und Performance fließend ineinander verschmelzen.
Die Schallplatte „PANDEMIC NEW MUSIC. Fazzoletto per un eternità“ wird voraussichtlich ab Anfang Mai in einer Auflage von 300 Exemplaren mit einem Texteinlegeblatt und in 180 Gramm schweren Vinyl erscheinen. 100 Exemplare davon werden als Sammleredition mit handgedruckter Schallplattenhülle herausgegeben. Beides wird hier in der Residenz erhältlich sein. Wenn Sie Exemplare vorab reservieren möchten, schreiben Sie uns gerne an info@global-forest.com.
Reguläres Album, 200 Exemplare, handkonfektioniert: 22 Euro
Sammleredition, mit mehrfarbigem Siebdruckcover, gestempelt und nummeriert, 100 Exemplare: Nr. 11-25: 80 Euro; Nr. 26-50 100 Euro; Nr. 51-99: 120 Euro
Das Residenzprogramm des Kunstvereins Global Forest wird maßgeblich durch den „Innovationsfond Kunst“ des Ministeriums für Wissenschaft, Forschung und Kunst Baden-Württemberg gefördert sowie von „Kundo XT“, „Gruppe Drei“, „Ah&Oh Digital Begeistert“ sowie unseren Mitgliedern und Förderer unterstützt.
Im Rahmen dieses Projektes danken wir ebenfalls "Kona Print Factory, Villingen-Schwenningen".
Ein besonderer Dank der Künstlerin geht außerdem an die Arbeitsgruppe des Deutschen Phonomuseums und den Posaunenchor der Evangelischen Gemeinde St. Georgen.
Trompeten: Claudio Comandini, Hannes Wienert.
Klarinette: Rosanna Lovell.
Singende Säge: Mimosa Pale.
Posaune: Matthias Schmidt.
Nieser: Fast alle meine Freunde (noch am Leben) und unvorhergesehene Bekanntschaften.
Zusätzliches Material: freesound.org, Evangelischer Posaunenchor St. Georgen.
Aufnahmen, Kompositionen, Plattendesign und Covertext: Gabi Schaffner.
Galerie:
Eröffnung: 14. März 2020, 16:00 – 22:00 Uhr; 15. – 28. März Öffnungszeiten nach Vereinbarung, Friedrichstrasse 5a, St. Georgen
Patrick Alt ist Maler. Was aber sind heute die malereiimmanenten und technischen Stil-, Motiv- oder Darstellungsfragen? Wie ist selbstkritisch mit der Gattungsgeschichte Malerei umzugehen? Welche bildschöpfenden Handlungen scheinen heute nach Jahrzehnten der kritischen Selbstbezüge noch legitim – ja, zeitgenössisch?
Der Künstler geht in seiner Arbeit stets von persönlichen inneren und äußeren Motiven aus, setzt sich in seiner Arbeit aber ebenso intensiv mit Fragen, was der Maler heute noch leisten kann und was heute wie darstellungswürdig ist, auseinander. Seine Bildsprache umfasst dabei sowohl figurativ-narrative Ausdrucksweisen als auch abstrakt-konzeptuelle Elemente. Mit diesem Anspruch sind während seiner vierwöchigen Residenz in St. Georgen sechs groß- und vier kleinformatige Gemälde entstanden, die in der Ausstellung „Du bist da“ präsentiert werden.
Es begann, als Patrick Alt auf einem seiner Streifzüge durch St. Georgen eine Katze begegnete, die überraschend seine Aufmerksamkeit erregte. Vielleicht, weil sie im Grau in Grau des winterlichen St. Georgens einen rot-orangenen Farbfleck darstellte, vielleicht, weil er Katzen schon immer irgendwie mochte, sie ihm vertraut sind. Das Tier zog ihn in seinen Bann. So kam es, dass ihm Katzen motivisch zum Begleiter der vergangenen Wochen wurden und ihren Weg auf seine Leinwände fanden.
Dort sind sie mal in konkrete, mal nur angedeutete Landschaften, in denen räumliche Fragmente dem betrachtenden Auge Halt geben, eingebettet. Daneben nur schematisch ausgearbeitete Sequenzen, in denen die malerische Geste dominiert. Nach kätzischer Art haben es sich die Tiere in diesen Bildräumen wie selbstverständlich gemütlich gemacht. Sie flanieren oder durchstreifen die Leinwand. Dabei nehmen sie mal die Rolle des künstlerischen Alter Egos ein, wirken geradezu menschlich und blicken als kritischer Beobachter aus der Leinwand zurück; noch im Malprozess auf den Künstler selbst, gleichsam mit ihm in Zwiesprache gebannt, oder in der Ausstellung auf die BetrachterInnen. Ein andermal scheint der Künstler in der Katze einen Komplizen gefunden zu haben: Sind die zart gemalten Gesten rund um das Tier das Werk eines verspielt-kratzbürstigen Vierbeiners oder die des Malers? Gehören die in dem skripturalen Duktus erkennbaren Wesen zu Traumbildern der Katze oder des Malers? Sind sie Teil einer personifizierenden Projektion auf das Tier?
Fest steht, aus den Tieren, ihrem jeweiligen malerischen Umfeld auf den Leinwänden und dem Maler ist eine Symbiose entstanden. So geht es in der aktuellen Werkserie auch um die entstandenen Reibungen zwischen dem Maler und seinem Motiv. Es wird deutlich, dass die Suche nach der im konkreten Kontext ‚richtigen‘ Form und nach einem guten, zeitgenössischen Bild eine körperliche Erfahrung ist, die ebenso an die eigene Substanz geht, wie an die Substanz der Motive. Ein Akt, der projektiv und affektiv zugleich ist. Dabei von einer Dynamik bestimmt wird, die sich auf alle Beteiligten ausdehnt.
Die Leinwände seiner neuen Werkserie sind also nicht als Genrebilder und die Katzen nicht als rein motivische Abbilder zu lesen. Auch erklären die den Tieren oft symbolisch zugeschriebenen Eigenschaften, wie Freiheitsliebe oder Eigenwilligkeit, die Bilder nur zum Teil. Zugleich sind sie kein willkürlicher Anlass für die durchaus freien Setzungen von Farben, Konturen, Flächen und Gesten, die sich „in der Katze“ und um die Katze herum ausbreiten. Ihr als Motiv steht die Malerei selbst gegenüber. In diesem Sinne weisen Alts Katzen über sich hinaus. Ist die Malerei oder die Katze die wahre Protagonistin der Leinwand?
Der Ausstellungstitel „Du bist da“ beschreibt diese Dreiecksbeziehung: Maler-Motiv-Malerei. Alle sind da und haben sich in die Gemälde eingeschrieben. Die Katze ist Anlass und Schauplatz für die Malerei zugleich. In ihr und anlässlich ihr trifft alles zusammen. Der Maler findet die Formen auf der Fläche im Zuge der Darstellung der Katze und trotz der Darstellung der Katze.
So wird dieser Ort des Seins, der Präsenz als höchst fragil charakterisiert. Hier finden „Dinge“ statt, schrieb der Künstler unter die Skizze der Einladungskarte, hier sind Maler, Motiv und Malerei von Bewegung erfasst, sind ambivalent und mehrdeutig. In dem Dazwischen von jetztzeitlichen Gestaltungsentscheidungen des Malers und dem historisch gefestigten Bilderbe trifft beides zur formfindenden Aushandlung aufeinander. Form-Sein, Da-Sein wird zu einem existenziellen Thema zwischen der potenziellen Präsenz des Darstellungsgegenstandes und der unvermeidbaren Abstinenz des Dargestellten. In der graduellen Abstraktion entsteht ein ambivalentes Spiel der Verborgenheit des Figurativen. Neben das selbstverständliche Da-Sein reiht sich das Nicht-Da-Sein. Die zunächst so banal anmutende Äußerung „Du bist da“ offenbart hier ihre Doppelbödigkeit.
Folgen BesucherInnen schließlich der Einladung zur Ausstellungseröffnung im Kunstverein Global Forest, sind auch sie „da“. Sie werden zugleich zu passiven Zeugen oder dürfen sich aktiv in das Beziehungsgeflecht einbringen.
Das Residenzprogramm des Kunstvereins Global Forest wird maßgeblich durch den „Innovationsfond Kunst“ des Ministeriums für Wissenschaft, Forschung und Kunst Baden-Württemberg gefördert sowie von „Kundo XT“, „Gruppe Drei“, „Ah&Oh Digital Begeistert“ sowie unseren Mitgliedern und Förderer unterstützt.
Galerie:
An Patrick Fabian Panettas Werk scheitern die gängigen kunsthistorischen Kategorien. Betrachtet man seine Arbeiten in ihrer Gesamtheit, mögen einem zwar Begriffe wie Minimal Art, Konzept Kunst oder Institutionskritik in den Sinn kommen, aber keine dieser Kategorisierungen beschreibt den Ansatz des Künstlers eindeutig. Vielmehr lässt sich ihre Verwandtschaft darauf zurückführen, dass sie als eine Art Bestandsaufnahme des Kunstsystems aufgefasst werden können, denn Panetta untersucht auf formaler und inhaltlicher Ebene was die Kunst im 21. Jahrhundert noch leisten kann. Die Spielarten von Gegenstandslosigkeit und Abstraktion scheinen schließlich ausgeschöpft, die Grenzen der traditionellen Medien ausgelotet und gesprengt und jeglicher institutionskritische Ansatz in Affirmation umgemünzt. Die Moderne Utopie von der gesellschaftsverändernden, höheren Kraft der Kunst wurde längst als ebendiese entlarvt und der Neokapitalismus hat in der Digitalisierung eine Komplizin von unschätzbarem Wert gefunden, mit deren Hilfe unsere Lebenswelt bis in den letzten Winkel kommodifiziert wird. Was kann die Kunst also noch in einer Welt bewirken, in der schlussendlich alles zur Ware wird?
Diese Frage und über die Jahre gesammelten Einsichten sind Ausgangspunkt und Grundlage für Panettas fortwährende, intensive Auseinandersetzung mit dem „System Kunst“, die in seinen Werken allgegenwärtig ist. Folglich lassen sich viele seiner Arbeiten am ehesten in die Tradition der Institutionskritik stellen, befassen sie sich zudem oftmals mit den Akteuren und Institutionen des Kunstbetriebs. Eigentlich handelt es sich aber viel eher um ein systemkritisches Werk, dessen Fokussierung auf den Kunstbetrieb vordergründig der Tatsache geschuldet ist, dass der Künstler mit eben diesem System alltäglich konfrontiert wird. Ein Subsystem, an dem sich zahlreiche Mechanismen und Funktionsweisen unserer neokapitalistischen Wirtschaftsordnung und den damit zusammenhängenden Machtverhältnissen manifestieren und in dem Algorithmen und digitale Daten zu bestimmenden Faktoren geworden sind. Auch die Bedeutungs- und Wertproduktion von Kunst bleiben von dieser Einflussnahme nicht verschont, sondern sind in hohem Maße betroffen. Im Hinblick auf den Kunstbetrieb lässt sich somit die Frage stellen, ob der digitale Raum die Produktion, Präsentation und Rezeption von Kunst vollends vereinnahmen wird? Denn der digitale Raum und die in ihm erzeugten Daten sind auch innerhalb der Repräsentationssysteme von Kunst zu bestimmenden Akteuren geworden. Wird die Kunst es also schaffen, sich ihrer selbst zu bemächtigen und eine ‚humanistisch‘ geprägte Kunstproduktion, -präsentation und -rezeption unsere Zukunft prägen oder auf Algorithmen basierende Systeme, die von Industrie und Wirtschaft gesteuert werden?
Während seines Aufenthalts in der Künstlerresidenz des Kunstvereins Global Forest hat Patrick Fabian Panetta neue Arbeiten entwickelt, die sich mit den dargelegten Thematiken befassen und die er nun in der Ausstellung "SO FAR..." präsentieren wird.
Im Zentrum vom Thomas Geigers Arbeiten stehen menschliche Interaktionen und Handlungen. Seine performativen und skulpturalen Interventionen ebenso wie seine Künstlerbücher spüren diesen Interaktionen und Handlungsmustern in aufwendigen Recherchen nach oder schaffen Plattformen und Handlungsspielräume, in denen sie ausgelöst bzw. herausgefordert werden. Es sind aber nicht irgendwelche menschliche Interaktionen und Handlungen, die den Künstler interessieren, sondern jene, an denen sich soziale, gesellschaftliche, ökonomische und politische Prozesse und Diskurse offenbaren. So führte er beispielsweise seine Bust Talks mit einer afrikanischen Songye-Maske und den Büsten des Chemikers und Intellektuellen Dr. Ernst Späth und des Sozialreformers Friedrich Wilhelm Raiffeisen oder erforscht in seinen Millionaire Talks im Gespräch mit verschiedenen Akteuren des Kunstbetriebs die spezielle Ökonomie der Kunstproduktion und des Kunstmarkts. Dem öffentlichen Raum kommt in Geigers Arbeiten oftmals eine besondere Rolle zu, denn es ist eben der vermeintlich neutrale öffentliche Raum, in dem sich soziale, gesellschaftliche, ökonomische und politische Realitäten in ihrer sozusagen reinsten Form zeigen.
Im Rahmen seiner Artistresidency bei Global Forest hat Thomas Geiger die neue Ausgabe Peeing in Public der Buchreihe Black Forest Library – A place for hidden knowledge entwickelt, die sich mit dem Urinieren im öffentlichen Raum auseinandersetzt und die er im Rahmen seiner Abschlussveranstaltung am Samstag, den 11. Januar 2020, präsentieren wird. Zudem wird Geiger eine Lecture-Performance halten, die auf dem Buch aufbaut und somit eben auch das Pinkeln im öffentlichen Raum thematisiert.
Das Buch und die Lecture-Performance stellen u.a. die Fragen „Wo darf man, wenn man mal muss? Was macht man, wenn man nicht darf? Und wer darf und wer nicht?“. Ausgehend von der städtischen Initiative der „Netten Toilette“ in St. Georgen hat der Künstler Geschichten von historischen Personen und Personen des öffentlichen Lebens aus u.a. Kunst, Politik, Wirtschaft und Wissenschaft recherchiert und zusammengetragen, die alle das Pinkeln in der Öffentlichkeit zum Thema haben. Die persönlichen Pinkel-Stories von z. B. Hillary Clinton, Florynce „Flo“ Kennedy oder Richard Serra verdeutlichen, was für vielschichtige soziale, gesellschaftliche, ökonomische und politische Prozesse und Diskurse an einer scheinbar so banalen Handlung wie dem Urinieren im öffentlichen Raum zutage treten können.
"Kunstfestival in St. Georgen: Künstler bringen auf der Fuchsfalle Vögel zum singen"
Südkurier, 27.04.2019
"Schwebende Roboter, experimentelle Klangforschung und kriechende Haarbürsten: Hinter Global Forest steckt kein ganz gewöhnlicher Verein"
Sebastian Küster
Südkurier, 21.11.2018
"Experimentelle Klänge: Christian Faubel und Ralf Schreiber forschen in der Künstlerresidenz mit elektronischer Musik und präsentieren ihre Ergebnisse beim Abschlusskonzert"
Sebastian Küster
Südkurier, 06.11.2018
"Das Kunstprojekt "Global Forest" in St. Georgen im Schwarzwald"
Dietrich Roeschmann
Badische Zeitung, 29.08.2017
Global Forest e.V., Friedrichstrasse 5a, 78112 St. Georgen im Schwarzwald
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