GLOBAL FOREST

WORKSHOP MIT BRYAN DAY

13. Oktober 2019, 15:30 – 17.30 Uhr

Veranstaltungsort: Fabrik Obergfell (Kundo), 1. Stock. Bahnhofstr. 10, 78112 St. Georgen

Am Tag nach dem KLANGSPIEL#10 erwartet uns im zweiten Teil des Weekenders am Nachmittag des 13.10. ein "Maker"-Workshop für Kinder, Jugendliche und Erwachsene. Jeder Teilnehmer darf während des Workshops den von Bryan Day entwickelten "ROTOWHISKER" unter Anleitung nachbasteln. Der "ROTOWHISKER" ist ein Instrument für experimentelle Musik und Klangeffekte. Sein Name leitet sich einerseits von "Roto" (von Rotation), andererseits vom englischen "Whisker" (Schnurrhaar) ab. Seine Akustik klingt mal perkussiv, mal nach Retro-Soundeffekten aus der mittlerweile angestaubten Ära des Zeichentrickfilms.

Verbaut werden ein Holzgehäuse, ein dünner Kohlefaserstab, ein Kontaktmikrofon (Piezo-Tonabnehmer) und ein Drehmechanismus, um die Tonhöhe des Whiskers zu ändern. Eine Erklärung des Instruments (Englisch) gibts hier:

Während des Workshops wird Bryan Day die innovativen Methoden seiner Kunst vermitteln und diese mit Hilfe verschiedener Materialien gemeinsam mit den TeilnehmerInnen erproben. Die Ergebnisse werden am Ende des Workshops während einer gemeinsamen Mini-Performance ausprobiert. Die Teilnehmer dürfen ihr selbstgebautes Rotowhisker nach dem Workshop selbstverständlich mit nach Hause nehmen.

Da die TEILNEHMERZAHL auf 20 Personen begrenzt werden muss, bitten wir vorab um Anmeldung. Gerne per email an klangspiel@global-forest.com oder unter 0176 4378 6327. Die Workshop-Materialien werden gestellt, die TEILNAHME IST KOSTENFREI, Spenden zu Gunsten des Vereins sind herzlich willkommen.
 
 
Über BRYAN DAY:

Bryan ist ein aus dem kalifornischen Richmond stammender Improvisationsmusiker, Instrumentenentwickler, Illustrator und Installationskünstler. Seine Arbeit thematisiert das Zusammenspiel von Natürlichem und Menschgemachtem, kombiniert Feldaufnahmen, generative und Custom Audio Programmierung, sowie selbstgebaute Instrumente, um parallele Muster und Abläufe im natürlichen wie im gesellschaftlichen Umfeld hörbar zu machen. Bryan arbeitet in San Francisco u.a. eng mit dem Children’s Museum, sowie mit dem Exploratorium zusammen. Mit seinen Soloprojekten Sistrum und Eloine, sowie mit den Ensembles Shelf Life und Seeded Plain, wie auch im Rahmen zahlreicher Kollaborationen präsentiert er seine Arbeiten weltweit im Rahmen von Konzerten, Installationen und einschlägigen Festivals, u.a. in Argentinien, Mexico, Korea, Japan, den USA und Europa. Er betreibt seit 1997 die Labels Public Eyesore und Eh? mit über 200 Veröffentlichungen von Künstlern der Improvisations- und Experimentalszene weltweit, neben zahlreichen eigenen Veröffentlichungen auf anderen Labels. Seit 2005 organisiert Bryan Day zudem regelmäßig Konzerte, aktuell kuratiert er die Meridian Music Konzertreihe der Canessa Gallery in San Francisco und gibt Workshops, in denen selbsterfundene Instrumente gebaut werden.

http://www.bryanday.net
 

Mit freundlicher Unterstützung von Stiftung Erlebnis Kunst

Klangspiel #10

KLANGSPIEL #10 – Brayan Day & AeLypsm

12. Oktober 2019, 19:30 – 22:00 Uhr

Selbsterfundene Instrumente für experimentelle Musik, Live-Elektronik und Klangperformances mit Bryan Day (USA) und AeLypsm (DE)
 

Bryan Day ist ein aus dem kalifornischen Richmond stammender Improvisationsmusiker, Instrumentenentwickler, Illustrator und Installationskünstler. Seine Arbeit thematisiert das Zusammenspiel von Natürlichem und Menschgemachtem, kombiniert Feldaufnahmen, generative und Custom Audio Programmierung, sowie selbstgebaute Instrumente, um parallele Muster und Abläufe im natürlichen wie im gesellschaftlichen Umfeld hörbar zu machen. Mit seinen Soloprojekten Sistrum und Eloine, sowie mit den Ensembles Shelf Life und Seeded Plain, wie auch im Rahmen zahlreicher Kollaborationen präsentiert er seine Arbeiten weltweit im Rahmen von Konzerten, Installationen und einschlägigen Festivals, u.a. in Argentinien, Mexico, Korea, Japan, den USA und Europa. Er betreibt seit 1997 die Labels Public Eyesore und Eh? mit über 200 Veröffentlichungen von Künstlern der Improvisations- und Experimentalszene weltweit, neben zahlreichen eigenen Veröffentlichungen auf anderen Labels. Seit 2005 organisiert Bryan Day zudem regelmäßig Konzerte, aktuell kuratiert er die Meridian Music Konzertreihe der Canessa Gallery in San Francisco und gibt Workshops, in denen selbsterfundene Instrumente gebaut werden.

http://www.bryanday.net

 
AeLypsm aka Ypsmael hat seine Ursprünge als Live-Elektronik-Projekt im England der späten Nullerjahre. Klänge unterschiedlicher Quellen, sowohl elektronisch wie auch akustisch, Schall-Artefakte und klangliche Trümmerhaufen verschiedenartiger Instrumente, Atmo-Aufnahmen und elektrisch verstärkte Objekte finden Wege durch Schaltkreise. Sie bilden den Kern eines kompositorischen aber auch improvisationellen Ansatzes für Klangperformances, multiformatige Interventionen oder auch Musik. Seit 2010 tritt er als Liveprojekt u.a. in Galerien, Konzertsäälen, Abbruchhäusern oder Naturkulissen in Erscheinung und präsentierte Klangperformances und Interventionen bereits in New York City, Los Angeles, London, Paris, Istanbul, sowie bei einschlägigen Festivals.
 

https://ypsmael.com
 

Mit freundlicher Unterstützung von Stiftung Erlebnis Kunst

JOANNA SCHULTE INPUT OUTPUT, SCHWARZ

27. September 2019, Fr. ab 19:00 Uhr und
28. September 2019, Sa. 11:00 Uhr – 18:00 Uhr
Friedrichstrasse 5a, St. Georgen

"... die Asymmetrie als Beweis für den Symmetriebruch und es gilt: je erfolgreicher Wissenschaft und Technik sind, desto undurchsichtiger und dunkler werden sie, es interessiert das In und das Out und das Dazwischen, das könnte schwarz sein, tief und bodenlos, einfach wunderbar!" (Joanna Schulte)

Während ihres vierwöchigen Residenzaufenthaltes im Kunstverein Global Forest rückte die Auseinandersetzung mit dem „Schwarzen“, als Sinnbild für das Unbekannte/Verborgene, ins Zentrum von Joanna Schultes Aufmerksamkeit. Wie blicken wir auf das, was wir nicht kennen, und über das wir mutmaßen müssen? Was vermögen wir in den Tiefen des „Schwarzen“ zu erkennen? Was nehmen wir vom Verborgenen war?

Joanna Schulte zeigt uns in den Arbeiten ihrer Ausstellung ihre subjektive Perspektive auf unterschiedliche, uns z.T. bekannte Bildkonstrukte, aber auch auf das, was dahinter im Verborgenen liegen könnte und das sie über die gezielte Inszenierung von Dysfunktionalitäten zum Vorschein bringt:

Das Licht und Schattenspiel zweier schwarzer Diskokugeln, die sich im Ausstellungsraum punktuell über die Wände, Objekte und die BesucherInnen legt, ist als Schatten zugleich platonisches Abbild der Kugel, also eine Vereinfachung und Abstraktion des Originals, und potenziertes „Schwarz“ in potenzierter Undurchsichtigkeit. Eine Klangkomposition aus Geräuschen, aufgenommen in St. Georgen, kitzelt aus der alltäglichen, unbestimmten Geräuschkulisse der Stadt Klangelemente heraus und beschwört dabei einzelne Objekte vor dem geistigen Auge herauf. Abstrakte Landschaften der Salpeter-Kristalle, die bis vor der Renovierung des Ausstellungsraumes an seinen Wänden sichtbar waren, zeigen, was heute unsichtbar ist – und  doch, im Umkehrschluss, Teil des Gebäudes bleibt. In Fotografien hat die Künstlerin diese Landschaften festgehalten. Sie können in Diabetrachtern von den BesucherInnen erschlossen werden. In weiteren Arbeiten lässt die Künstlerin verstummte Klänge eines Librophons auferstehen. In einem Video von einem Lehrmodell über die Höhen und Tiefenschrift der Schallplattenpressung, das sie selbst im Deutschen Phonomuseum aufgenommen hat, verfolgt sie die Spur der Nadel, die stetig vorgefurchten Bahnen folgt. Die Perspektive der Künstlerin im Video zeigt eine Abstraktion, die die Spur mit einer Wanderung durch phantastische Landschaften assoziieren lässt.

Ein für sich stehender Werkkomplex ist die Edition „An Oliver“, die Joanna Schulte extra für St. Georgen geschrieben hat. In den Umschlägen alter Ersttagsbriefe aus der DDR sendet sie Briefe an die fiktive Person Oliver, mit dem sie seit 2012 eine kontinuierliche, wenngleich einseitige Korrespondenz unterhält. Da der Adressat ohne Adresse angegeben ist, werden die Briefe, nachdem sie die Bürokratie der Post durchschritten haben, an die Absenderin retourniert, bzw. an die jeweiligen Kunstinstitutionen zugestellt, die die Künstlerin als Absender angegeben hat. In der Werkserie „An Oliver“ wird der Adressat zur Projektions- und Wunschfigur, die weit über die Suche nach der Person Oliver hinausgeht. Oliver ist Sehnsuchtsort schlechthin. Im Erscheinungsbild des mehrfach verwendeten Umschlages wird Zeit dabei relativ – sprunghaft und von Dauer zugleich; Sehnsucht zeigt sich vielgestaltig, universell. So changiert die Arbeit zwischen historischem Dokument, bild-politischem Zeitzeugnis und autobiografischer Geste. Sie wird zum poetischen Spiel mit dem Sichtbaren und Unsichtbaren.

Die Ausstellung „INOUT OUTPUT, SCHWARZ“ nimmt die BesucherInnen mit auf eine Reise entlang zahlreicher opaker Objekte, die in ihrer Undurchsichtigkeit jeweils voller Überraschungen stecken. Joanna Schulte lehnt sich mit dem Titel an Wissenschaftsmodelle der Kommunikationstheorie an, in dem Sinne reflektiert sie ihren Input als Künstlerin sowie die Präsenz der Objekte selbst im Verhältnis zum Output, der schließlich für die BesucherInnen erfahrbar ist. Zugleich unterstreicht sie den in ihrem vorangestellten Zitat ausgedrückten Prozess der Übersetzung, vom Input zum Output, der als solcher uneinsichtig im Verborgenen bleibt und dort im Dunklen liegend „schwarz“ ist und doch essenziell, für die Gestaltung der Werke. Um dieses kontinuierliche Wechselspiel aus Zeigen und Verbergen kreist die Ausstellung in einem fortwährenden Prozess, ähnlich dem Lichtkranz rund um das Schwarze Loch, das damit jüngst für die Menschheit fotografisch sichtbar wurde.

Wir danken der Unterstützung des Deutschen Phonomuseums, St. Georgen. Das Residenzprogramm des Kunstvereins Global Forest wird durch den „Innovationsfond Kunst“ des Ministeriums für Wissenschaft, Forschung und Kunst Baden-Württemberg gefördert.

OFFENES ATELIER mit IRENE PÉREZ HERNÁNDEZ

31. August 2019, Sa. ab 15:00 Uhr

Friedrichstrasse 5a, St Georgen

HOOK TIME SERIES – Werkschau

Irene Pérez Hernández (*1977 in Teulada, lebt in London) präsentiert anlässlich des „OFFNEN ATELIERS“ als Ergebnis ihres Residenzaufenthaltes ihre Weiterentwicklung der Werkserie „Hook Time Series“, in der sie sich auf spielerisch-kreative Weise mit objektiver bzw. subjektiver Zeitlichkeit sowie dem Motiv der Wiederholung beschäftigt.

Während dieser intensiven Zeit im Schwarzwald entwickelte die Künstlerin die spazierstockartige Grundform ihrer „Clock Hooks“ in enger Zusammenarbeit und im steten Austausch mit den Fertigungstechniken der lokalen Manufakturen, der Werkstätten oder kleinen Firmen weiter. In den vergangenen drei Monaten entstanden so Kunstwerke in Bronze (Frieder Preis, Spaichingen), Glas (Dorotheenhütte, Wolfach), Plastik (u.a. QualiPlast GmbH, St. Georgen), Keramik (Zeller Keramik Manufaktur, Zell am Harmersbach) und Holz, die ihrerseits als Skulpturen-Paare immer wieder die gleiche Grundform nachbilden: Zwei charakteristische, jeweils gegen den Uhrzeigersinn gebogene, kleine „Zeiger“ – die „Hooks“ – scheinen in die unmittelbare Vergangenheit zurück zu greifen anstelle unbeirrt in die Zukunft zu laufen.

Pérez` „Hook Time Series“ sind folglich Objekte vielgestaltiger Zeitlichkeit: Sie sind als künstlerisches Produkt Sinnbild für die zur Herstellung aufgewendete Zeit, die sich z.T. an den materialspezifischen Oberflächenstrukturen ablesen lässt. In diesem Sinne ist in ihnen Zeit – ohne dass sie exakt messbar wäre – als abstrakte, auch mit der Vorstellung von Wertigkeit verknüpfte Dimension festgehalten. Zugleich folgt aus ihrer Materialität eine jeweils unterschiedliche Perspektive auf Zeit: Bronze, als wertvolles, adelndes Material in der Kunst und als Inbegriff überdauernder Ewigkeit, wird sich im Laufe der Zeit nur an der Oberfläche verändern und eine charakteristische Patina ausbilden. Wann und wie schnell sich Plastik hingegen zersetzt ist heute sowohl im alltäglichen Leben aber auch in der Kunst eine wichtige Frage.

So ist die flüchtige und zugleich determinierende Dimension Zeit als entsprechend vielfacettiges Prinzip in den Kunstwerken gebunden. Spielerisch wird Zeit als etwas Relatives erfahrbar, das uns und unsere Umwelt ordnet, ja antreibt und von dem dennoch alle und alles im Wesentlichen unangetastet bleibt.

Eine  weitere Arbeit „Pendulum“, das Ergebnis vorangegangener Forschungsaufenthalte in der Region, ist bereits seit einem Jahr im Schau & Hörfenster in der Friedrichstraße 5 ausgestellt.

Die dreimonatige Langzeitresidenz wird durch den „Innovationsfond Kunst“ des Ministeriums für Wissenschaft, Forschung und Kunst Baden-Württemberg gefördert.